Mobile Suit Gundam (1979)

Nacen los "robots reales"

Los "robots" ya eran desde hacía mucho tiempo parte de las historias de ciencia ficción en Occidente, y en Japón entraron a lo grande en 1963, cuando fueron estrenadas dos series hoy clásicas: Tetsuwam Atom ("Astroboy") y Tetsujin 28-go ("Hombre de Acero" o "Ironman 28"). El primero era un robot vivo, capaz de pensar y sentir, mientras que el segundo era simplemente una máquina controlada a distancia por un humano.

Hacía la década de 1970 los robots se convirtieron en protagonistas de un número cada vez mayor de series animadas japonesas y podemos citar a "Astroganger" (1972), "Mazinger Z" (1972), "Getter Robo" (1974), "Kotetsu Jeeg" (1975), "Daikuu Maryuu Gaiking" (1976) o "Ufo senshi Dai Apolon" (1976). Con ellos nació y se afianzó el género de los "super robots", que tenía algunas características básicas, a saber: en cada serie había un "super robot" de gran tamaño (Mazinger Z medía 18 metros de altura, por ejemplo), piloteado por un adolescente varón, que lucha contra otros robots gigantes enviados por algún científico loco o por alguna raza alienígena que quiere conquistar o dominar la Tierra. En cada capítulo el "super robot" derrotaba a un robot enemigo diferente, muy pronto llamado "el monstruo de la semana", y el concepto básico era que el "super robot" era el único defensor que tenía la Humanidad y todo dependía de él y de sus poderosas, ingeniosas armas. 

Super Robots clásicos: (1) "Astroganger" - (2)  "Mazinger Z" - (3) "Getter Robo" - (4) "Kotetsu Jeeg" - (5) "Daikuu Maryuu Gaiking" - (6) "Ufo senshi Dai Apolon"

Por esta época "Sunrise", el estudio de animación fundado en 1972 por ex empleados de Mushi Productions (el estudio de Tezuka Ozamu), luchaba por hacerse un lugar en la industria del anime y a partir del éxito  de su serie "Uchu Senkan Yamato" (1974) decidió enfocarse en la ciencia ficción y los robots. Uno de los integrantes de Sunrise era Tomino Yoshiyuki, quien había trabajado como realizador de storyboard  y director en varias series y se había especializado en naves, robots y todo lo relacionado a la tecnología de ciencia ficción. Él propuso la idea que llevó al nacimiento de "Kidō Senshi Gundam" ("Mobile Suit Gundam") en 1979, la serie que inauguró el genero de los "real robots": ya no habría un único "super robot" defendiendo la Tierra contra los robots gigantes del malvado oponente, sino que los robots serían armas fabricadas en serie, como los tanques o los aviones, y tripuladas por militares o civiles enrolados apresuradamente. Dichos tripulantes no eran abnegados y heróicos defensores de la Humanidad como en el caso de las series de "super robots" sino simples combatientes que tienen miedo, dudas y una valentía que muchas veces nace de la desesperación.

Hay que decir una cosa: la serie estaba pensada para ganar dinero a través de la venta de juguetes. Esto no era y no es nada nuevo, pero vale la pena decirlo por si alguien no lo sabía. Por tal razón Sunrise consiguió un patrocinador para financiar el proyecto: la compañía juguetera Clover, fundada en 1973 y que apuntaba a un público infantil. Clover pagaba la serie televisiva y esta serviría para crear una demanda de juguetes, con lo cual Clover se beneficiaba: esa era la idea.

Tres personas fueron, principalmente, las responsables de llevar a cabo la nueva serie: Tomino Yoshiyuki se hizo cargo de la dirección general; Yasuhiko Yoshikazu fue el encargado de diseñar los personajes, y Okawara Kunio se encargó de crear los robots y todo los diseños mecánicos (el armamento y los equipos). Me animo a decir que, con "Gundam", Okawara fue el creador de lo que hoy llamamos "mechas": robots gigantes que son usados como máquinas de guerra.

Afiche promocional de Sunrise (1979)

¿De qué se trata la historia de "Gundam"?

Estamos en el UC 0079 ("universal century", o siglo universal, un nuevo calendario que rige la Historia. Hace tiempo que la Humanidad se lanzó al espacio y creó colonias llamadas "sides", las cuales se volvieron prósperas a medida que más y más terrícolas abandonaban su planeta para irse a vivir en ellas. Con el tiempo los habitantes de los "sides" empezaron a quejarse de que el gobierno unificado de la Tierra (la "Federación Terrestre") los oprimía política y económicamente. Fue surgiendo un sentimiento nacionalista en los "sides" y el "Side 3" declaró su independencia y pasó a llamarse "Principado de Zeon". A comienzos del UC 0079 Zeon y la Federación Terrestre entraron en guerra, primero en el espacio y luego en el mismisimo planeta Tierra. La introducción que aparece en el primer capítulo dice: "Tanto Zeon como la Federación Terrestre perdieron la mitad de su población tan solo en el primer mes de la guerra (...). Ocho meses han pasado desde que la guerra comenzó y ambos bandos se han estancado en los combates."

¿Y los robots para cuándo? Resulta que Zeon tenía una ventaja sobre la Federación Terrestre: poseía unos gigantescos robots de 18 metros de altura conocidos como "mobile suit" y operados por pilotos militares profesionales. Los "mobile suit" podían moverse con la agilidad de un humano y disponían de armamento incorporado y la capacidad de propulsarse en la atmósfera y el vacío espacial. Al ser máquinas militares tenían un diseño rústico y estaban pintados de color verde oliva: nada de diseños despampanantes, con colores vivos y accesorios llamativos. El traje de los pilotos de Zeon se parecía a un híbrido entre el traje de vuelo de un piloto de caza y un traje de astronauta. Los "mobile suit" del tipo "Zaku" fueron los que le dieron a Zeon la ventaja en la guerra y el primer episodio de la serie se inicia con tres de estos "Zaku" acercandose a "Side 7", una de las colonias que había permanecido leal a la Federación Terrestre.

Mobile suit "Zaku" del Principado de Zeon: estos son del modelo II (captura de pantalla de la serie).

Resulta que la Federación Terrestre está diseñando su propio "mobile suit", en lo que se conoce con el nombre clave "Proyecto Gundam". Ingenieros militares venidos de la Tierra han trabajado duro y ya tienen tres prototipos listos, pero es entonces cuando lllegan los "Zaku" de Zeon. Se produce un enfrentamiento y una matanza de civiles, mientras los militares e ingenieros terrícolas intentan poner a salvo esos tres prototipos (llamados "Gundam", "Guntank" y "Guncannon") y escapar a bordo de una nave de combate llamada "White Base".

La serie "Mobile Suit Gundam" nos narra la huída de los terrícolas y refugiados del Side 7 a bordo de la "White Base" mientras las fuerzas de Zeon intentan capturar los prototipos del Proyecto Gundam que se encuentran a bordo de dicha nave. A medida que avanza la serie conocemos más detalles sobre la guerra entre Zeon y la Federación Terrestre, conocemos la enorme variedad de armamento, que se utiiliza, pues los "mobile suit" son solamente una parte del arsenal (aunque la más importante) y sobre todo, conocemos a los numerosos personajes que luchan en un bando o en otro. El personaje central es Ray Amuro, quien se convierte accidentalmente en el piloto del Gundam. Aunque es un adolescente y de su actuación depende en gran parte la supervivencia de sus amigos, camaradas y demás refugiados civiles a bordo de la "White Base", no es un protagonista excluyente. Fraw Bow, Hayato, Kai, Sayla, Mirai, Noa Bright, Ruy, son personajes entrañables que tienen su propio peso en la historia. Del lado del enemigo tenemos a Aznable Char , el "Cometa Rojo", el mejor piloto de las fuerzas de "mobile suit" de Zeon, a los miembros de la familia Zabi que gobierna Zeon, y a otros más. No puede decirse que haya "malvados", pues en ambos bandos hay luchadores nobles y también canallas, y tanto los de Zeon como los de la Federación Terrestre creen luchar por una causa justa.

Los tripulantes de la "White Base" y los prototipos "Gundam": desde tu izquierda a tu derecha, Sayla, Noa Bright, Hayato y los pequeñines, Amuro, Fraw Bow, Mirai (con otro pequeñín), Kai y Ryu (imagen captura del ending de la serie).

Fracaso inicial, resurgimiento y creación de la franquicia

"Mobile Suit Gundam" salió al aire el sábado 7 de abril de 1979 en los canales de la Rev Asashi TV. Sunrise confiaba en que la manía por los "super robots" fuera suficiente para que el público japonés se enganchara con "Kidō Senshi Gundam", pero a medid que pasaban las semanas las mediciones de audiencia sólo traían malas noticias. A fin de captar mas público, Tomino tuvo que incorporar en la serie cosas que iban contra su idea original: presentar en cada episodio un nuevo enemigo ("el monstruo de la semana"), e incorporar naves que se emsamblaban al Gundam, entre otras. Para colmo el dibujante principal, Yasuhiko Yoshikazu, que trabajaba a destajo para animar la serie (esperando un éxito que no llegaba) sucumbió al excesivo esfuerzo y tuvo un pico de estrés que lo obligó a abandonar el proyecto. Su salida afectó la calidad de animación de la serie, lo cual obviamente no ayudó a cosechar más público.

Tomino y su equipo habían planificado 52 episodios semanales, pero llegó un momento en que la compañía de televisión? pidió la cancelación de la serie. Los amargados creativos de Sunrise se las arreglaron para cerrar la historia en el episodio 43, que fue transmitido el sábado 26 de enero de 1980. Todo parecía perdido pero entonces sucedieron dos milagros: en primer lugar, aunque la serie no había sido un éxito masivo de audiencia, sí había cosechado una pequeña legión de fanáticos a quienes atraía el planteo adulto de las situaciones como así también la compleja psicología de los personajes, alejados de las características estereotipadas de las series de "super robots". Esos "fans", movilizados por algunas revistas especializadas en anime, ejercieron presión sobre el canal de televisión para que diera explicaciones acerca del levantamiento de "Gundam". En segundo lugar, los de Sunrise habían conseguido un nuevo patrocinador para el proyecto: ni más ni menos que Bandai, la poderosa empresa de juguetes, que había visto en "Gundam" la oportunidad perfecta para colocar en el mercado nuevos modelos y maquetas. 

Bandai consiguió hacerse con los derechos de "Gundam" luego de la cancelación de la serie y para mediados de 1980 ya estaba lanzando al mercado unas figuras espectaculares. El problema de Clover era haber pensado en juguetes para un público infantil, mientras que Bandai había captado la madurez de la serie y ofrecía figuras de modelismo en vez de juguetes, apuntando a un público de mayor edad (estudiantes de secundaria y jovenes mayores). La serie fue retransmitida varias veces en la TV y sus niveles de audiencia fueron muy superiores a los de la transmisión original, lo cual provocó una demanda cada vez mayor de figuras. A todo esto, Tomino tuvo su revancha: "Gundam" llegó a los cines japoneses en marzo de 1981 y a lo largo de tres películas contó nuevamente la historia original. Estas películas contaban con un 75 % de animación nueva, muy superior a la original, y contribuyeron a que la pequeña legión de fanáticos original creciera de manera vertiginosa. Las repeticiones en TV también aumentaron la cantidad de "fans" de Gundam y así fue como Sunrise decidió lanzar una nueva serie de TV que continuara la historia. En marzo de 1985 salió al aire Z-Gundam y luego vinieron más y más series, dando así nacimiento a la "franquicia Gundam" que continúa al día de hoy. 

Con "Mobile Suit Gundam" nació el género de los "robots reales", que inspiraría muchas otras series en las décadas siguientes. Una de ellas fue "Super Dimensional Fortress Macross" (1982), que también contaba la historia de una nave espacial (con refugiados civiles dentro) que intenta escapar de la persecución enemiga, y donde los "mecha" combaten sin parar. "Macross" (aquí conocida como la primera parte de "Robotech") popularizó a nivel mundial las series de "mechas", pero la pionera fue "Mobile Suit Gundan".

Conclusión

"Mobile Suit Gundam" fue un producto pensado estrictamente para el público japonés; todavía los empresarios del anime no le daban real importancia al mercado fuera de su país natal. Como consecuencia de ello "Gundam" no fue estrenado en Hispanoamérica y tampoco las series siguientes. Recien en 2000 Cartoon Network compró y transmitió "Gundam Wing" para el continente americano, provocando una oleada de pasión que llevó a muchos a querer saber más sobre la serie. Ya eran los tiempos de Internet, así que los fanáticos pudieron descubrir que detrás de "Gundam Wing" había todo un mundo, toda una franquicia apasionante que se había iniciado mucho tiempo atrás con una modesta y a la vez ambiciosa serie: "Kidō Senshi Gundam"

Posdata: las figuras hechas por Bandai se hicieron enormemente populares y han dado origen a una sub-cultura con vida propia. Los "gunpla", acrónimo de "Gundam Plastic Model" se venden como pan caliente hasta el día de hoy e incluso hay concursos que tienen a dichas figuras como protagonistas. En cambio Clover dejó de existir como empresa juguetera en 1983, apenas tres años después de haber dejado de patrocinar "Gundam".

A tu izquierda: juguete de Gundam hecho por Clover; a tu derecha, una figura de Gundam hecha por Bandai... ¿se ve la diferencia?

Sailor Moon (1992)

"LA" heroína

El 7 de marzo de 1992 llegó a las pantallas de TV de Japón una serie que de inmediato cautivó al público de ese país y luego se expandió por buena parte del globo terráqueo, sumando adeptos de a millones y convirtiéndose en un clásico: Bishojo Senshi Sailor Moon ("preciosa guerrera Sailor Moon").

Todo comenzó con Takeuchi Naoko, una joven mangaka de 24 años que había logrado publicar un "one-shot" (en castellano sería un "episodio autoconclusivo") en la revista trimestral Run Run de la Editorial Kodansha, en el año 1991. La historia presentaba a una heroína llamada "Sailor V", que luchaba contra el Mal. A la gente de Kodansha le gustó el trabajo de Takeuchi, y como los de Toei Animation andaban cerca, ahí nomás pensaron en hacer un anime. Takeuchi, joven pero audaz, hizo una contrapropuesta: en vez de una heroína solitaria habría un equipo de heroínas, al estilo de las series Super Sentai muy populares en Japón. Para quienes son nuevos en el tema, las series Super Sentai son aquellas en que un equipo de héroes, cada uno identificado con un color, lucha contra el Mal. "Sentai" significa "escuadrón", y en Occidente este tipo de series se hizo conocido a través de la franquicia "Power Rangers".

Volvamos a Takeuchi, quien al parecer tenía un caracter fuerte, al menos lo suficiente para imponer su idea a la gente de Toei Animaton. Realmente aquí cambió la historia, porque lo que Takeuchi estaba proponiendo era presentar un equipo de súper heroínas que se complementaban entre sí, algo nuevo en la industria. Como complemento del anime, Takeuchi publicaría un manga con su nueva idea, esta vez en la revista Nakayoshi, también perteneciente a la Editorial Kodansha, pero de publicación mensual.

Pausa para el asombro. Me resulta increíble escribir y leer sobre el impresionante ritmo de publicación de los mangas en Japón: una editorial como Kodansha tenía una publicación mensual y otra trimestral, y ambas vendían. ¿Había algo similar en España y América Latina en aquel entonces, años 90? 

La cuestión es que, a toda máquina como es habitual en Japón, la idea de Takeuchi llegó al público en formato manga y anime: así fue como los televidentes conocieron a "Sailor Moon", la serie que consolidó el genero de "chicas mágicas".

 

Sailor Moon y la gata Luna (imagen del opening)

La historia

La protagonista es Usagi Tsukino, una adolescente de 14 años de edad que rompe con algunos moldes de la sociedad japonesa: es impuntual, no le gusta estudiar, sus notas en el colegio son mediocres: sin embargo, tiene un muy buen corazón. Un día Usagi se encuentra con una gata negra que tiene una marca en forma de medialuna en la frente. Pues resulta que esa gata es una "mensajera" que buscaba a Usagi para revelarle su verdadera identidad, cosa que efectivamente hace: así es como Usagi se transforma en Sailor Moon, una heroína con una audaz minifalda y botas "Go Go".

Con el paso de los capítulos Usagi aprenderá a usar sus nuevos poderes, conocerá a nuevos enemigos y también a sus compañeras de equipo, las "sailor senshi", que se irán incorporando de a una y que tienen nombres que evocan a planetas del Sistema Solar: Sailor Mercury, Sailor Mars, Sailor Jupiter y Sailor Venus. Esta última no es otra que la famosa "Sailor V" del one-shot de Takeuchi, y aunque es la última en sumarse es mencionada desde el primer capítulo, ya que se trata de una super heroína que sale en las noticias y de la cual Usagi y sus amigos hablan con admiración. 

De tu izquierda a tu derecha: Sailor Venus, Sailor Mars, Sailor Moon, Sailor Mercury y Sailor Jupiter

Todas las "Sailor Senshi" visten el mismo uniforme de marinera sexy, pero se diferencian por el color de la minifalda y de algún que otro accesorio. A medida que transcurren los capítulos se va revelando que en realidad ellas y los enemigos que las enfrentan han tenido una vida pasada en otra dimensión, y que la lucha actual en realidad es una continuación de una antigua guerra.

También aparece un misterioso enmascarado que al parecer cumple el rol de "príncipe encantador" y del cual Sailor Moon se enamora: Tuxedo Kamen ("el enmascarado vestido de smoking"). Precisamente, la búsqueda del amor por parte de Usagi es otro de los ejes de la historia. Ella es graciosa, generalmente torpe, pero muy sentimental (se lo pasa llorando) y bastante enamoradiza; por eso a lo largo de la serie se sentirá atraida por dos jovenes (sin contar a Tuxedo Kamen): Motoki y Mamoru.

 Hablemos de los enemigos de Sailor Moon en esta historia: se trata del Reino de la Oscuridad, que busca continuar la guerra contra el reino lunar llamado "Milenio de Plata", del cual provienen Usagi, las Sailor Senshi y Tuxedo Kamen. El Reino de la Oscuridad está gobernado por las reinas Beryl y Metallia, bajo cuyas ordenes se encuentra un selecto grupo de oficiales integrado por Jedyte, Nephrite, Zoycite y Kunzite y todo un ejército de "malignos". En esta serie están bien marcados los que defienden el Bien y los que sirven al Mal, aunque en algunas ocasiones realmente emotivas los malvados se convierten en buenos.

La repercusión mundial y el nacimiento de la franquicia

Sailor Moon tuvo 46 episodios y como ya dijimos, arrasó. Con esto, la segunda temporada del anime estuvo asegurada y llegó a las pantallas japonesas en febrero de 1993 bajo el nombre "Sailor Moon R" (43 episodios); luego vino "Sailor Moon S" en marzo de 1994 (38 episodios); "Sailor Moon Super S" en marzo de 1995 (39 episodios) y "Sailor Stars" (34 episodios) en marzo de 1996. Mientras tanto, Takeuchi dibujaba y dibujaba el manga, que iba siendo adaptado al anime a medida que se publicaba. Y no sólo eso: también salieron tres películas, en 1993, 1994 y 1995. Y por si esto fuera poco, hubo algunos especiales de entre 15 y 45 minutos, una serie "live action", varios videojuegos y un sinfín de merchandising. El anime de Sailor Moon finalizó su transmisión en Japón en febrero de 1997, pero mientras tanto las cinco series que lo componían triunfaban en el Sudeste Asiático, Europa y Estados Unidos. 

En este último país tradicionalmente las series animadas japonesas eran modificadas, alteradas y censuradas para que encajasen con los reglamentos burocráticos estadounidenses: se eliminaban todas las escenas o referencias al sexo, el alcohol y la violencia, para "no exponer a los niños" a estos males. El problema más grande es que muchas series japonesas (como Sailor Moon) llegaban a América Latina sólo después de haber sido compradas y distribuidas en el continente por los estadounidenses. Por eso muchas veces los latinoamericanos no vimos el producto original japones sino la versión yankee del mismo.

También era normal que se modificasen los nombres japoneses para cambiarlos por otros que resultasen más familiares al idioma estadounidense. "Sailor Moon" no escapó a esta tradición yankee y así se produjeron algunos cambios. Con los villanos de la serie la cosa fue un poco más vergonzoza: la Reina Metallia, que es la calavera que vemos siempre junto a la Reina Beryl, fue convertida por los estadounidenses en un concepto llamado "Negafuerza". Por otro lado, uno de los generales del Reino de la Oscuridad, Zoycite, fue "transformado" en mujer, para que su relación amorosa con el general Kunzite (rebautizado "Malachite" vaya uno a saber porqué) no escandalizara al público. Los personajes homosexuales no estaban bien vistos en las producciones destinadas al público infantil estadounidense en aquel entonces.

Por su parte, los españoles tenían la costumbre de "españolizar" todos los nombres que pudiesen, de manera que también los televidentes de la Península vieron nombres cambiados. La siguiente tabla puede ayudarnos:

Nombre original	Nombre en USA y LATAM	Nombre en España
Usagi Tsukino	Serena Tsukino	Bunny Tsukino
Ami (Sailor Mercury)	Amy *	Amy*
Rei (Sailor Mars)	Rei	Ray
Makoto (Sailor Jupiter)	Lita	Patricia
Minako (Sailor Venus)	Mina	Carola
Mamoru Chiba	Darien	Armando
Tuxedo Kamen	Tuxedo Mask	Señor del Antifaz
Motoki	Andrew	Mauricio
Naru (la mejor amiga de Usagi)	Molly	Kari
Shingo (hermano de Usagi)	Samy	Singo
Queen Beryl	Beryl	Beryl
Queen Metalia	Negafuerza	Energía Metalia
Jedyte	Jadeite	Daniel/Jade
Nephrite	Neflyte	Ramiro
Zoycite	Zoycite	Zocite

*"Amy" en inglés se pronuncia "eimi" en lugar del "ami" japonés.

Sailor Moon conquista América Latina

Toei Animation se interesó particularmente en América Latina, una región que parecía amigable al anime. En aquel tiempo las series animadas se doblaban al idioma de cada región (en este caso LATAM), y todavía el subtitulado no era lo que es hoy. Así pues, Toei contrató a la empresa mexicana Intertrack para que doblara la serie, y con estas voces en castellano "Sailor Moon" tomó posesión de América Latina a partir de 1996. Según comentaba la gente de la revista argentina "Lazer", especializada en anime, el doblaje realizado por Intertrack fue muy bueno, por la calidad de las voces. Eso sí, aquí llegaron los personajes con los nombres cambiados, por culpa de los cambios hechos en Estados Unidos para amoldar el anime a sus "estándares", de los cuales hablé líneas arriba.

Legado

El impacto cultural de "Sailor Moon" fue enorme. Nos mostró a una heroína adolescente que intentaba cargar con la pesada responsabilidad de proteger al mundo al tiempo que procuraba mejorar sus mediocres notas en la escuela (¿un guiño a Peter Parker?). Pero creo que además nos mostró la fuerza poderosa del amor, no sólo en la épica batalla final de la primera serie, sino en la vida cotidiana, pues Usagi se esforzaba por hacer que la vida de los demás fuese más agradable: trataba de no disgustar a sus padres, cultivaba la amistad de Naru y Gurio ("Molly" y "Kelvin" en LATAM, "Kari" y "Camilo" en España), y buscaba un amor puro: en resumen, era una jovencita de buen corazón. Imposible no llorar junto a ella o ilusionarse junto a ella. Este es el verdadero poder de Sailor Moon.

Posdata: una muestra de la vigencia de Sailor Moon en el público la tenemos en "Asobi Asobase", un anime del año 2018. Esta serie nos cuenta las andanzas de tres jovencitas de segundo año, es decir, de la misma edad que Usagi Tsukino. En el episodio 8 una de esas tres jovencitas, Honda Hanako debe cumplir un desafío ("cumplir una prenda", como decimos en Argentina): imitar a Sailor Moon delante de un profesor. Hanako cumple, a pesar de que se muere de la verguenza: se arregla el cabello para imitar el peinado de Usagi y realiza los mismos movimientos que Sailor Moon cuando se disponía a entrar en combate, e incluso dice las mismas frases. A manera de chiste, otra compañera le dice a Hanako que puede meterse en líos legales si sigue reproduciendo las palabras de Sailor Moon. Fue un muy buen homenaje, desde mi punto de vista.

Honda Hanako, una de las protagonistas de Asobi Asobase

Hanako imitando a Sailor Moon

Andersen Dowa: Ningyo Hime ("La sirenita" versión anime, 1975)

Una sirenita al rescate de su creador

En el año 2023 la poderosa Walt Disney Company proyectó en cines el filme "La Sirenita", que era una adaptación "live action" de una película animada de 1989, propieda de la misma compañía. De inmediato se generó un intenso debate, porque la "sirenita de carne y hueso" era de tez bronceada y cabello en rastas, mientras que la "sirenita animada" era de piel blanca y cabello rojizo.

Sin embargo, lo que muy pocos recordaron en aquel momento fue que varios años antes ya había sido filmada una película que contaba la historia de la sirenita, y que se trataba ni más ni menos de que una película animada japonesa. Fue la primera adaptación al cine del cuento escrito por Hans Christian Andersen, nacido en Dinamarca y autor de otros cuentos para niños, como "El patito feo" y "El soldadito de plomo". Andersen escribió "La sirenita" en 1837.

"La sirenita soy yo."

Origen del proyecto

¿Cómo es que este cuento infantil escrito en Dinamarca en el siglo XIX se transformó en una película animada japonesa a fines del siglo XX? Porque los japoneses, a los que les ha sobrado talento para contar historias a veces delirantes en sus animes, también tuvieron el buen criterio de adaptar obras literarias de fama mundial (a eso llamo yo tener una mente abierta). La productora "Mushi" fundada por el legendario Tezuka Ozamu (sí, el creador de Astroboy) llevó al anime "La isla del Tesoro", de Robert Louis Stevenson en 1965; luego, en unión con "Zuiyo"(luego "Nippon") adaptaron varios cuentos de Andersen, que salieron al aire por la cadena Fuji TV en el año 1971 en el ciclo conocido como "Los cuentos de Andersen". Esto les alcanzó para poner en el aire un total de 52 episodios que fueron un gran éxito entre los televidentes nipones. 

Aquí entra en escena una importante empresa: Toei Animation, la división de Toei encargada de producir "video" (series, películas). Esta gente también había adaptado al anime obras de autores extranjeros, como por ejemplo "El gato con Botas" del francés Charles Perrault en 1969. Viendo  el éxito de las adaptaciones de los cuentos de hadas de Andersen, los de Toei pusieron sus ojos en "La Sirenita". Además los japoneses de Toei tenían una motivación muy fuerte (además de ganar dinero): en 1975 se cumplirían cien años del fallecimiento de Andersen y querían rendirle homenaje adaptando una de sus obras más importantes. 

Así nació "La Sirenita, de Andersen", ya en formato de película para ser proyectada en cines. El estreno se dio el 21 de marzo de 1975 en el marco del "Festival de Manga Toei" con el cual la empresa lanzaba anualmente al mercado sus nuevas producciones. La película fue un éxito en Japón y además de ganar muchos millones de yens fue reconocida por su aporte cultural para conocer la obra de Andersen, a tal punto que el Ministerio de Educación de Japón la declaró de interés público.

La calidad de la animación, comparada con lo que había puesto al aire Fuji TV, era muy superior, aunque hoy parezca muy tosca.

Poster promocional de la película

La historia

"La Sirenita, de Andersen" tenía poco más de una hora de duración, lo cual está bien porque el cuento original no era muy largo tampoco. De hecho la película inventaba situaciones y personajes que no aparecían en el cuento, con el fin de estirar un poco más el producto final. Aún así, reflejaba fielmente la historia contada por Andersen. Creo yo que conocemos basicamente la historia: una joven sirena se enamora de un joven humano a tal punto que decide sacrificar su vida bajo el mar para tener piernas y estar al lado de él.

El cuento de Andersen no se limita al enamoramiento sino que trata otros temas, como la inmortalidad del alma humana y la importancia de amar y realizar buenas obras. Hay incluso un mensaje religioso de trasfondo, dirigido a los niños con el fin de inculcarles valores positivos. Esto último no apareció tan claramente en la película japonesa.

Entre las cosas inventadas por los japoneses en esta historia podemos citar varios ejemplos. Para empezar, tanto la sirenita como el príncipe del cual se enamora no tienen nombre en la obra original, pero en el anime fueron bautizados como "Marina" (así, en castellano) y "Fiordo"; además, fue creado un personaje que hiciera de amigo de Marina, y así nació "Fritz", un delfín de apariencia "super deformed" que aporta la simpatía y memorables momentos emocionales . Estoy convencido de que los de Disney se inspiraron en "Fritz" para crear a "Flounder", el pez amigo de la sirenita en la película de 1989.

Sin embargo, "Andersen Dowa: Ningyo Hime" es mucho más fiel al cuento original que las dos versiones hechas por Disney. Si hablamos de estas últimas, la versión animada de 1989 inventó aún más personajes y más situaciones con el objetivo de llegar a los 83 minutos de duración. También alteró bastante la esencia del cuento al introducir un típico "final feliz" al estilo Disney que traiciona el legado de Andersen. En cuanto a la versión "live action" de 2003, no es más que una remake de la película de 1989. Pasa que Disney tuvo tanto éxito en imponer su visión del mundo, que el gran público, cuando piensa en "la sirenita", piensa en la pelirroja Ariel de 1989: por eso tanta gente criticó el cambio de aspecto entre las versiones de 1989 y 2023. La historia original y el legado de Andersen no aparecieron en el debate: sólo importó el color de piel y de cabello.

Ficha técnica

Ya hice mi descargo sobre el tema del legado, ahora hablemos de la película animada japonesa y sus creadores.

Certificación	sin datos
Duración	1 hora 14 minutos
Director	Katsumata Tomoharu
Guionistas	Osanai Mieko  Ôyabu Ikuko  (en base a la obra de Hans Christian Andersen)
Productor ejecutivo	Chiaki Imada
Jefes de producción	Seiichi Moro Tokushige Shirane
Dibujos	Takashi Abe Michihiro Kanayama
Música	Hirayoshi Takekuni
Fecha de estreno	21 de marzo de 1975 (Japón)

Portada de la versión que se vende en Estados Unidos.

Conclusión

Si te interesa conocer el cuento "la sirenita" de Hans Christian Andersen, ver este anime es la mejor opción. La versión animada de Disney distorsiona mucho la historia original, y el live action ya ni siquiera se acuerda de Andersen, sino que intenta hacer un nuevo producto Disney basado en un viejo producto Disney. Eso ya no tiene gracia.

Girls und Panzer (2012-...)

"¿Cómo te fue en la escuela, hija?"

 ¿Cómo te sentirías si al ingresar a un colegio de enseñanza media tuvieras una materia en la curricula escolar en la que tuvieras que tripular un tanque de guerra similar a los utilizados en la Segunda Guerra Mundial? Pues eso es la premisa básica de "Girls und Panzer", la serie animada que hoy nos ocupa.

A diferencia de otros muchos éxitos japoneses, esta serie no nació de un manga que luego fue adaptado al anime sino que fue creada directamente para la animación. El estudio Actas, una filial de Bandai fundada por gente que tenía experiencia en el rubro de la animación, puso en el aire esta joyita en octubre de 2012 (¿dónde andabas vos en aquella época?). No tengo mucha información chequeable sobre el origen de la serie, pero estoy tratando de conseguirla, así que por ahora sólo daré un pantallazo.

¿De qué se trata la historia?

Nishizumi Miho (acordate de que en este blog ponemos los nombres en el sentido japonés) es una estudiante que está cursando el 2° año del Secundario Superior (Preparatoria, Ciclo Superior o bachillerato), por lo tanto debe tener 16 años de edad. Es nueva en la Escuela Femenina Ooarai y por tal motivo se siente insegura hasta que dos estudiantes se le acercan y le ofrecen su amistad: hablamos de Takebe Saori e Hizusu Hana. Miho se siente feliz, pero como vos ya sabrás, la felicidad suele durar poco a veces, y nuevos desafíos aparecen en el horizonte. En concreto, la escuela Ooarai quiere resucitar el "senshado", es decir, los torneos de combate por equipos utilizando tanques reales en combate simulado. Por nada del mundo Miho quiere participar en el "senshado", a tal punto que se cambió de escuela y eligió Ooarai porque no tenía esta practica; tan mala suerte tiene Miho que justo cuando ella llega a Ooarai, el Consejo Estudiantil  de dicha escuela decide volver a concursar en los juegos de tanques. La obstinación del Consejo Estudiantil y la negativa de Miho tienen sus correspondientes explicaciones, que serán develadas conforme avance la serie.

Aunque Miho es la protagonista central, la serie nos presenta a todo un conjunto de jovencitas estudiantes, todas ellas muy entusiastas, y de a ratos el protagonismo se reparte de una manera armoniosa: todas tienen su oportunidad para brillar. Los otros grandes protagonistas son los tanques de la Segunda Guerra  Mundial empleados en los torneos: verlos en pantalla es un deleite para los amantes del arma acorazada, pues los dibujantes se esforzaron por darles a los tanques un gran realismo. Hasta los tornillos y remaches están dibujados con una fidelidad asombrosa.

Conforme avanza la serie iremos conociendo a los equipos de las otras escuelas. Cada escuela representa a un país de la época de la Segunda Guerra Mundial y no solo sus tanques sino también su vestimenta, comida y modo de comportarse hace referencia a ese dicho país. Rusos, alemanes, británicos, estadounidenses, todos están representados.

La fidelidad y el realismo tienen un límite: los enfrentamientos entre tanques pueden ser bastante creíbles a veces, pero luego se tornan en algo cómico y divertido. Los tanques hacen piruetas y maniobras imposibles, pero al fin y al cabo, ¿qué tiene de malo, si veo esta serie para divertirme y tengo claro que no es un documental sobre tanques?

Nishizumi Miho, feliz en su primer día camino a la escuela Ooarai

Deutschland über alles!

En el mundo de la animación japonesa Alemania ocupa un lugar especial. Es un país muy mencionado en las series animadas (en Evangelion, sólo por citar un ejemplo, Asuka Langley venía de Alemania) y esta serie confirma la fascinación nipona por lo germano (al fin y al cabo, fueron "aliados" durante la Segunda Guerra Mundial, aunque nunca lograron coordinar sus movimientos). Ya el título "Girls und Panzer" nos remite al idioma alemán, y me parece bien, pues no me habría gustado "Girls & Tanks". La palabra "panzer", que en el idioma alemán hace referencia a los tanques o vehiculos blindados de combate, tiene de por sí su encanto.

Aunque en esta serie hay una escuela esquipada totalmente con tanques alemanes no se queda ahí la cosa, pues Miho será la líder de la escuela Ooarai y para ello tripulará un panzer IV, algo capaz de arrancar lágrimas a los fanáticos de los tanques alemanes. No es casualidad que la líder conduzca un tanque alemán.

Miho y el panzer IV en estado de abandono

Guía para padres

¿Hay una glorificación de la guerra en esta serie? Para nada. Los combates entre tanques no son otra cosa que torneos, como un deporte cualquiera. No hay mensajes a favor de la guerra, sino solamente un cariño "fierrero" de las chicas hacia las máquinas que tripulan.

Tampoco hay mensaje ideológico. Hace unas semanas ví un informe de la televisora estatal alemana que encendía las alarmas sobre este anime, haciendo creer que era una especie de glorificación del nazismo. Es falso y los periodistas que hicieron ese informe no vieron en profundidad la serie, pues de lo contrario no habrían transmitido lo que transmitieron. Jamás se menciona al sanquinario dictador alemán del siglo XX (no hace falta nombrarlo) ni a otros líderes políticos de aquella época, no se mencionan sus ideas ni nada que se le parezca. "Lo alemán" o "lo ruso", por ejemplo, pasa, como ya dije, por la forma en que se visten, por lo que comen, etcétera. Sí hay referencias a personajes históricos, desde el mariscal Erwin Rommel a Julio César

Hay muchos combates y cañonazos en esta serie, pero no hay sangre y nadie muere. La angustia y el estrés están presentes, claro, pero son abordados de otra forma, y el buen ánimo del equipo hace que al final todo parezca bueno y necesario. El mensaje es que todo puede superarse a través de la fuerza de voluntad y el trabajo conjunto; además, la amistad y la empatía son dos valores que esta serie remarca mucho. Eso se ve desde el primer capítulo.

¿Hay algún tipo de obscenidad o groserías? Tampoco. Alguna estudiante en bikini o tomando un baño termal, pero sin exhibicionismos ni dobles sentidos. Esta serie no necesita apelar a eso para gustar.

Por último quiero mencionar algo notable: no hay personajes masculinos, salvo muy raras ocasiones. Hay varones, pero son casi parte del decorado, y no queda mal así. Ooarai es una escuela femenina y las chicas son protagonistas excluyentes: su único amor son los tanques.

Conclusión

"Girls und Panzer" comenzó como una serie animada de apenas 12 capítulos. El éxito impulsó la continuación de la historia pero ya en forma de OVAs, es decir, películas creadas para ser reproducidas en video. Paralalemente la historia original fue adaptada al manga, es decir, al revés de lo habitual en estos casos. En futuros artículos trataré de explicar cómo viene la mano con estas continuaciones, y también brindaré resumentes de los capítulos. Hasta entonces.

El Señor de los Anillos: la guerra de los rohirrim (2024)

Literatura inglesa, animación japonesa 

y producción estadounidense 

Índice de contenidos

Sinopsis
Info básica para neófitos

Ficha Técnica
El proyecto
¿Llevar a Tolkien al anime?
Un esfuerzo insuficiente
Copiar descaradamente e inventar descaradamente
¿Y la animación?
Conclusión

Sinopsis

    Hera es la dinámica e independiente hija de Helm, rey de Rohan. Cuando este reino se ve amenazado por las huestes lideradas por Wulf (un pretendiente despechado), Hera se convierte en la heroína que debe salvar a su pueblo.

Info básica para neófitos

    Si ya conoces a Tolkien y el mundo fantástico creado por él, saltea esta sección. De lo contrario, leela muy bien.

• JRR Tolkien (1892-1973) fue un escritor inglés que creó practicamente un mundo entero, poblado por diversas civilizaciones, cada una con su propia historia y su propia cultura. Ese mundo, llamado "La Tierra Media" posee su propia fauna y flora; incluso los aspectos geológicos tienen su explicación: nada quedó al azar. Su obra pertenece al género de la épica fantástica. Para ampliar tus conocimientos sobre Tolkien y su obra, por favor visita los sitios sugeridos en esta web (quizá la más completa sobre el tema): https://www.sociedadtolkien.org/enlaces/

• El Señor de los Anillos es una trilogía de libros escritos por Tolkien y ambientada en la Tierra Media. Aunque era una obra muy conocida, se volvió inmensamente popular gracias a las adaptaciones cinematográficas dirigidas por el australiano Peter Jackson. La trilogía que Jackson dirigió se compone de "La Comunidad del Anillo" (año 2001), "Las Dos Torres" (2002) y "El Regreso del Rey" (2003). ¡Una magnífica forma de iniciar el nuevo milenio, oh sí!.

• Los Rohirrim son, literalmente, "los señores de los caballos" (eso significa la palabra "rohirrim"). Son los habitantes de Rohan, uno de los reinos de la Tierra Media. En la trilogía de Peter Jackson pudimos verlos principalmente en "Las dos torres" (2002).

• Los episodios contados en la película que ahora comentamos suceden 183 años antes de los hechos de la saga de películas.

• Helm fue un rey de Rohan. Hubo tres linajes de reyes y Helm fue el último del segundo linaje. Él se convirtió en leyenda para su pueblo, que bautizó "Abismo de Helm" al sistema de fortificaciones que constituye la última barrera defensiva de Rohan. A su muerte fue coronado rey su sobrino Fréaláf, con el cual se inició el tercer linaje de reyes de Rohan.

Ficha técnica

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Certificación	PG13
Duración	2 horas 14 minutos
Director	Kamiyama Kenji
Guionistas	Jeffrey Addiss Will Matthews Phoebe Gittins Arty Papageorgiou
Fecha de estreno	13 de diciembre de 2024

El proyecto

    En 2021 se cumplió el vigesimo aniversario del estreno de "La Comunidad del Anillo", la primera película de la saga dirigida por Peter Jackson. En tal ocasión la poderosa Warner Bros y su filial New Line Cinema anunciaron el proyecto de hacer una película animada referida a los libros de JRR Tolkien. Había dos motivos para llevar a cabo este proyecto:

1) Expandir la franquicia relacionada con las obras de Tolkien.

2) Estrenar alguna película, lo que fuera, para evitar perder los derechos de adaptación cinematográfica de las obras de Tolkien. Warner debe demostrar que está utilizando activamente esos derechos, lo que normalmente se traduce en la producción de nuevos proyectos.

    Así pues, se puso en marcha el proyecto y se convocó a figuras de peso para llevarlo a buen puerto:

• El japonés Kamiyama Kenji fue convocado para dirigir la película. Por lo tanto, ya se podía esperar una animación al estilo japonés. Kamiyama tenia más de 30 años de experiencia haciendo anime en Japón y también trabajando en producciones estadounidenses.

• Philippa Boyens, guionista que había trabajado con Peter Jackson en la trilogía de "El Señor de los Anillos" fue convocada para crear la historia (no el guión en sí, sino la idea general). Ella propuso que la película estuviera ambientada en el reino de Rohan, el país de los rohirrim.

• El guión propiamente dicho fue encargado a personas  más "jovenes" en palabras de Boyens (podes ver sus nombres en la ficha técnica más arriba). 

Kamiyama Kenji en 2023 (Crédito: Wikimedia Commons, Autor:usuario "Boungawa"

¿Llevar a Tolkien al anime?

    Cuando se anunció "La Guerra de los Rohirrim", sospeché. Luego vi el trailer y y mi sospecha creció: no me parecía una buena idea hacer una película animada sobre la obra de Tolkien. En realidad, en décadas anteriores ya se habían hecho animaciones (por ejemplo "El Hobbit" de 1977), pero desde mi punto de vista había un problema serio: "La Guerra de los Rohirrim" se vendía como una especie de precuela de la saga "El Señor de los Anillos" (2001-2003) dirigida por Peter Jackson. Este director goza del aprecio de los lectores de Tolkien porque dicha saga logró transmitir fielmente el espíritu de la obra escrita. 

    Peter Jackson puso la vara muy alta y ahora "La Guerra de los Rohirrim" se promocionaba sin remilgos como un pariente cercano de aquella trilogía. El trailer y la gráfica de difusión promocionaban directamente a esta película animada como "un regreso a la Tierra Media", mencionaban a Peter Jackson y usaban imágenes de sus películas.

    Era obvio entonces que el público que había visto la trilogía de "El Señor de los Anillos" esperaría algo que estuviera al nivel de esta obra. Ese fue el gran error.

 

 

Un esfuerzo insuficiente

    La "Guerra de los Rohirrim" fue estrenada en cines en fechas diferentes para las distintas regiones del mundo: España y Latinoamerica la estrenaron el 5 de diciembre de 2024; el resto de Europa, como así también los paises asiáticos y del Extremo Oriente la estrenaron la semana siguiente. 

    Los críticos estuvieron divididos en sus opiniones, pero muchos de ellos intentaron contribuir a promocionar la película dando buenas reseñas, como las que podes leer en este artículo del diario argentino "Ámbito Financiero" del 5 de diciembre:

Críticas a "La Guerra de los Rohirrim"

    A pesar de tan buena promoción, "La Guerra de los Rohirrim" fue levantada de la cartelera de los cines estadounidenses tan sólo dos semanas despues de su estreno. El 27 de diciembre ya estaba disponible en las plataformas de streaming. El sitio web latinoamericano "Tomatazos" especializado en cine tituló el 27 de diciembre: "‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ rompe récord negativo en taquilla para la franquicia de la Tierra Media"

    ¿Qué pasó? El público no acompañó el esfuerzo realizado por Kamiyama, y ríos de tinta se gastaron para explicar el porqué de este rechazo. Por mi parte creo que la respuesta a esta pregunta se puede dividir en dos categorías según el público:

• Quienes vieron las películas de "El Señor de los Anillos" encontraron que el trabajo de Kamiyama, por más bueno que fuera, no estaba a la altura de la obra de de Peter Jackson .

• Quienes no vieron las películas de "El Señor de los Anillos" pero leyeron los libros de Tolkien sintieron que este anime no tenía el espiritu tolkeniano.

    Sobre este último punto me voy a explayar.

Copiar descaradamente e inventar descaradamente

    Aunque muchos señalan a la calidad de la animación como la causa del desastre en la taquilla, creo que el principal error está en la historia que la Warner eligió contar. Vamos, ¿no resulta tentador ver una película que tiene como protagonista a Helm "Manomartillo", rey de Rohan? Después de todo, el "Abismo de Helm" donde se desarrolla la épica y emocionante batalla principal de la película "Las Dos Torres" lleva ese nombre en su honor. 

    Pero resulta que en la película de Kamiyama Helm es un protagonista secundario: la heroína de esta historia es Hera, hija de Helm. Aquí hay un problema, porque los libros de Tolkien no mencionan a Hera y solamente dicen que Helm tenía una hija pero nada más. En cambio Tolkien sí menciona a los dos vástagos varones de Helm: Halet y Háma. 

    Crear al personaje "Hera" tenía una báse lógica (porque Helm sí tenía una hija): hasta ahí todo bien. ¿Qué Hera sea una protagonista principal? Bueno, ahí ya forzamos un poquito la obra de Tolkien, pero todavía estamos dentro de lo razonable. ¿Qué Hera sea la protagonista excluyente de esta historia? Pues ahí ya no.

    Entre todo lo bueno que tiene la trilogía de "El Señor de los Anillos" de Tolkien está el hecho de que no hay super-héroes de los que dependan todos los demás. De hecho la trama sigue a un grupo muy diverso de personajes principales: cuatro hobbits, un elfo, un enano, un mago, dos guerreros. A lo largo de la trilogía estos personajes se reparten el protagonismo y dependen unos de otros. No podemos distinguir  tajantemente "héroes" de "ayudantes" en los libros de Tolkien, y tampoco en las peliculas de Peter Jackson.

    En "La Guerra de los Rohirrim" todo gira en torno a Hera: ella es la mejor, la más valiente, la más sabia, la más astuta, la más inspirada, etcétera. De hecho toda la trama gira en torno a ella, desde su negativa a aceptar la mano del pretendiente Wulf hasta su negativa a sentarse en el trono de Rohan. Esto ya es un invento demasiado exagerado.

    Por otro lado, los acontecimientos se parecen demasiado a lo que podemos ver en la película "Las Dos Torres": invasión, retirada a Cuernavilla, asedio, salvación al final proveniente del exterior. Esto es una copia descarada.

Poster promocional de la película

¿Y la animación?

    A mí me gustó la animación que tiene esta película. No es como las películas de Miyazaki Hayao, que creo que está en otro nivel, pero sí es de lo mejor que pueden ofrecer los japoneses en materia de animación para películas y OVAs. Kamiyama mezcló animación 2D y 3D y aunque algunos han criticado el producto final, creo que no es malo.

Conclusión

• Si te gustan las historias del género épico fantástico y/o te gusta la animación japonesa (aunque con un  toque del estilo narrativo estadounidense), esta película puede agradarte e incluso gustarte.

• Si te gustan mucho los libros de Tolkien y/o las adaptaciones cinematográficas que dirigió Peter Jackson, lo mejor es que no veas esta película.

Declaración de principios

Hace poco, 15 de diciembre, fue el Día Mundial del Otaku.

Al parecer, el 15 de diciembre de 1983 el periodista japonés Akio Nakamori, especializado en manga y anime, usó por primera vez la palabra "otaku" en uno de sus artículos de la revista Burikko, según el sitio web "diainternacionalde.com". Este periodista usó el término de manera despectiva, para hacer referencia a las personas que tienen aficiones obsesivas, y desde entonces este significado sigue vigente: muchas personas utilizan la palabra "otaku" en sentido peyorativo.

Sin embargo, "otaku" tiene un significado más amplio: se aplica a toda persona que tiene un gusto o interés especial por el manga y el anime, y no significa que se obsesionen con eso. En ese sentido yo soy un "otaku": me gusta la animación japonesa (anime) y también las historietas japonesas (manga) y no soy un obsesivo. Es cuestión de gustos.

Por esa razón quiero compartir con vos lo que a mí me gusta. Yo veo series animadas y las disfruto pero también me gusta analizarlas, encontrar referencias a datos históricos o culturales, indagar sobre la psicología de los personajes y posibles mensajes secundarios en la trama. De eso se trata este blog.

No soy un experto, soy un espectador. Al momento de iniciar este blog tengo 50 años, y quizá se note cuando escriba. Vivo en una ciudad de América Latina y eso también influye en mi perspectiva; a esta parte del mundo llegaron series japonesas en las décadas del 70 y siguientes, y millones de niños latinoamericanos las dfisfrutamos mucho. Esas series marcaron nuestra niñez.

Yo he seguido disfrutando de estas series desde entonces. No veo todos los géneros de series animadas que existen, por eso hay géneros que no aparecerán en este blog. Pero lo que encuentres, espero que lo disfrutes también.

Oígen del Día del Otaku: https://www.diainternacionalde.com/ficha/dia-mundial-otaku.